David Bowie: Artista camaleónico e icono del pop

 

David Robert Jones nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, distrito del sur de Londres. Su padre, Haywood Stenton Jones, era un relaciones públicas que ya tenía una hija, Annette, de un matrimonio anterior. En 1946, tras haber roto con su mujer, pero sin haberse divorciado, conoció a Margaret Mary Burns, una acomodadora de cine que también tenía otro hijo, Terry. La pareja se casó a los ocho meses del nacimiento de David.

Hasta los 6 años, estudió en la Stockwell Infants School y, en 1953, después de que la familia se mudara a un barrio cercano —Bromley—, fue alumno de la Burnt Junior Scholl, de cuyo coro formaba parte y donde destacó por su manera de bailar. «Sorprendente», según sus profesores, para un niño de su edad. A los 9 años, su vida cambió cuando su padre le regaló una colección de discos de artistas como The Platters, Fats Domino, Little Richard y Elvis Presley. El impacto que le produjo éste último fue enorme, como si hubiera «escuchado a Dios»,
explicó años más tarde, todavía impresionado por «el enorme poder de la música». A los 12 años, después de que su hermano le hubiera introducido en el jazz, sus padres le regalaron un saxofón, uno de los muchos instrumentos que aprendería a tocar.

En 1962, vivió un grave incidente. En una pelea por una chica con uno de sus mejores amigos, George Underwood, éste le propinó un puñetazo, con tan mala suerte que el anillo que llevaba impactó en su ojo izquierdo. Estuvo a punto de perder la visión de ese ojo, pero, tras una operación y cuatro meses de hospitalización, se lo salvaron, aunque la pupila le quedó permanentemente dilatada, dándole un aspecto muy característico a sus ojos, que parecen de distinto color.

A los 15 años, formó su primera banda, la Konrads, entre cuyos componentes estaba Underwood, con el que mantuvo la amistad. Sería la primera formación de una larga lista —David Jones and The King Bees, Manish Boy y Lower Third— con las que intentó hacerse un espacio en el mundo de la música, tras decirles a sus padres que dejaba los estudios. La suerte se le mostró esquiva hasta que, en 1966, conoció a Ken Pitt, un mánager que le consiguió su primer contrato en solitario y le sugirió que cambiara de nombre, ya que había otro artista llamado Davy Jones, el líder de The Monkees. Adoptó el apellido Bowie en honor a un personaje del filme «El Álamo», Jim Bowie.

«Space Oddity», su primer single de éxito

Pitt y él vivían en la misma casa y surgieron rumores de que mantenían una relación. El mánager lo negó, pero una vez comentó que «a David le gustaba quitarse la ropa y sentarse en el suelo con las piernas cruzadas rodeado de altavoces o andar desnudo por el piso». Su primer disco de larga duración, «David Bowie» (1967), no tuvo éxito comercial, pero llamó la atención de Lindsay Kemp. El prestigioso mimo y coreógrafo le enseñó al músico, según explicó el propio Kemp, a «exteriorizarse más a sí mismo. Le permití liberar su ángel y demonio interiores». Se rumoreó que fueron amantes y debieron serlo, aunque, al mismo tiempo, Bowie se emparejó con Hermione Farthingale, guitarra de una de sus bandas. En 1969, Bowie logró su primer éxito con «Space Oddity», un single sobre un astronauta que salió cinco días antes de que el Apolo XI llegara a la Luna y fue el tema que usó la BBC para cubrir el alunizaje, encaramándose en la lista de los más vendidos.

Un año antes, en 1968, había conocido a Angie Barnett, una actriz y modelo que se sintió inmediatamente atraída por el cantante. «Era muy guapo, hermoso, con una cara de ángel rodeada de rizos. Y, encima, era un semental», aseguró tiempo después. La noche antes de su boda, en marzo de 1970, compartieron cama con un amigo, actividad que practicaron durante toda su relación, acostándose  indistintamente  con hombres y mujeres. Al año siguiente, tuvieron a su único hijo en común, Duncan Zowie. Angela fue un puntal decisivo en la carrera del artista, quien escogía la ropa, asesoraba cómo moverse en el escenario e incluso le animó a potenciar su «look» andrógino. Su esposa también cuidó del hermano de Bowie, aquejado de esquizofrenia, enfermedad que aterraba al artista. Ambiguo por antonomasia, Bowie iba a encontrar en ese rasgo de su personalidad su característica como artista. En 1971, sorprendió a los críticos musicales de EEUU durante la promoción de «The Man Who Sold the World» dando las entrevistas con el vestido de mujer que lucía en la portada de ese disco. Pero su gran momento llegó el 6 de julio de 1972, cuando intervino en «Top of the Pops», un programa de la BBC de enorme audiencia. Hacía sólo cinco años que se había legalizado la homosexualidad en Gran Bretaña y apenas seis días de la celebración de la primera marcha del Orgullo Gay en Londres, cuando Bowie salió por la tele convertido en Ziggy Stardust, interpretando el tema «Starman», del álbum «The rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars», editado un mes antes. Y estalló el escándalo ante la visión de aquel supuesto extraterrestre bisexual que proclamaba haber venido para salvar al mundo. Bowie había construido el que durante unos años fue su álter ego mezclando a Vince Taylor —un roquero que decía ser el evangelista Mateo—, las «drags queen» de Andy Warhol y la estética de «La naranja mecánica». El resultado fue un ser delgadísimo, maquillado al estilo del teatro japonés, vestido con apretados y coloridos monos y unas aparatosas botas de plataforma. Una imagen tan rompedora en lo visual que se convirtió en referencia del «glam-rock», un movimiento musical que intentaba aunar las esencias del pop con la contundencia del punk y que marcó la música de artistas contemporáneos y de muchos venideros. Pero, conforme acumulaba polémicas con sus apariciones, Ziggy empezaba a «comerse» a Bowie. El extremado abuso de alcohol, drogas y sexo que el artista hizo esos años ayudaron a que la personalidad del cantante se viera muy afectada. «Ziggy no me dejó solo durante años. Entonces fue cuando todo empezó a ir peor», reconocería más tarde. Hasta que, en 1973, tras una gira llena de escándalos como cuando simuló una felación al guitarrista Michael Ronson, Bowie decidió deshacerse del personaje antes de que el extraterrestre de pelo panocha acabase con él.

Vivió el infierno de la cocaína y el alcohol

«Muerto» Ziggy, Bowie se fue a EEUU y, con su capacidad camaleónica para transformarse, dio el primero de los muchos giros que efectuaría en el transcurso de su carrera. Grabó con John Lennon el tema «Fame» (1975), en una época de descenso a los infiernos: aumentó el consumo de drogas, no dormía, apenas se alimentaba de leche y empezaba a obsesionarse con el ocultismo y el nazismo. Decía que el demonio vivía en su piscina y que «Hitler fue una de las primeras estrellas del rock. Fíjate en algunas de sus apariciones y mira cómo se mueve. Era tan bueno como Jagger». Años después admitió que sus abusos le habían pasado factura. «Tengo agujeros increíbles en mi memoria, por ello cuando estoy en un concierto necesito leer las letras de mis canciones», decía. En 1976, se mudó a Suiza para concentrarse en la música y allí empezó a dedicar parte de su gran fortuna a coleccionar arte contemporáneo. Aunque más enganchado a las drogas que nunca, siguió sacando discos. Afortunadamente, en 1976, decidió trasladarse a Berlín para desintoxicarse. En la capital alemana compartió piso con Iggy Pop, para quien escribió la letra y la música de su disco debut «The idiot». Desde allí lanzó su conocida «Berlin Trilogy».

Tras dejar Alemania, Bowie y Angie se divorciaron en 1980. Uno de los motivos de la ruptura fue el romance que, según se dice, Bowie tuvo con Jagger. Tras una dura batalla judicial, el juez dio la custodia del hijo al cantante, quien se refería a su exesposa como «la mujer que más he odiado en mi vida». En esa nueva década su estilo fue más discreto y reposado, con grandes éxitos como «Let's dance», «Modern Love» y «China Girl». En el teatro destacó con la obra «El hombre elefante» y, en el cine, ha intervenido en filmes como «El ansia», «Feliz Navidad, Mr. Lawrence», «Principiantes», «Dentro del laberinto» y «Zoolander», entre otras. En 1989, abandonó su carrera como solista para formar el cuarteto de pop rock Tin Machine, experimento que duró un par de años.

Casado con la bella modelo somalí Imán

En 1990, tras dos años de relación con la bailarina Melissa Hurley, su peluquero le montó una cita a ciegas con otra clienta, la exótica modelo somalí Imán, 10 años más joven que él y de la que se enamoró a primera vista. «Aquella misma noche empecé a pensar en el nombre de nuestros futuros hijos», confesaría años después, asegurando también que «menos mal que la conocí cuando tenía encarrilados mis pasos. Antes llevaba una vida de auténtica locura». Dos años después de iniciar su convivencia, el cantante le propuso matrimonio mientras navegaban por el Sena. Se casaron en abril de 1992 y, desde entonces, no ha vuelto a probar las drogas. En agosto del 2000 nació su primera y única hija en común, Alexandria Zahra, a la que llaman Lexi. La ex modelo tiene otra hija de una unión anterior, Zulekha, de 35 años.

Rechazó la Orden del Imperio Británico

Tras la publicación, en el 2003, de «Reality», su último álbum hasta la fecha, el cantante se negó a ser condecorado como comandante de la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II: «No me he pasado la vida trabajando para eso», aunque si aceptó ser galardonado por el Gobierno francés. Al año siguiente, interrumpió su gira por un infarto y, desde entonces, decidió tomarse la vida de forma relajada. En el 2006, recibió el Grammy por toda su carrera.

Con mansiones en Londres, Beverly Hills y Bahamas, Bowie vive en su lujoso apartamento de Nueva York con su mujer y su hija. Su matrimonio con Imán sigue igual de sólido que al principio. «El nuestro es un amor de los que surgen una vez cada millón de años», asegura un hombre que su esposa define como «un caballero de los pies a la cabeza». Aunque retirado de los escenarios, el cantante apareció en noviembre del 2007 en un episodio especial de la serie de dibujos animados «Bob Esponja»; ha acompañado a músicos muy famosos en actuaciones puntuales, como Lou Reed; intervino en la película «El truco final», de Christopher Nolan; se le ha visto en alguna que otra fiesta y acudió al estreno de «Moon» (2009), la película de ciencia ficción de su hijo, Duncan, quien, quizás por los excesos de su padre, ni bebe ni fuma ni ha probado las drogas y hace del anonimato, militancia.

A principios de octubre de 2015, saltó la noticia de que Bowie había grabado, por primera vez en veinte años, una canción para la serie de televisión «The Last Panthers». Unas semanas después, John Giddings, su agente, aseguraba a un medio que Bowie no volvería a actuar nunca más. A finales del mismo mes, el propio David anunció en su página web el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, Blackstar, que coincidiría con su cumpleaños, el 8 de enero de 2016.

El 10 de enero de 2016, dos días después de su 69 cumpleaños y la publicación de Blackstar, murió de un cáncer de hígado en su apartamento de Nueva York. Se le había diagnosticado dieciocho meses antes, pero no lo había hecho público. El director de teatro belga Ivo van Hove, quien había trabajado con el cantante en el musical Off-Broadway Lazarus, explicó que Bowie no pudo asistir a los ensayos debido a la enfermedad. Comentó que Bowie siguió trabajando durante el proceso de la misma.

Aretha Franklin: La reina del soul

 

Aretha Louis Franklin nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee, Estados Unidos), pero creció en Detroit. Era hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y de la cantante de gospel Barbara Franklin, y tuvo cuatro hermanos, dos niños y dos niñas. Su madre abandonó a la familia cuando Aretha tenía sólo 6 años y falleció cuatro después. En 1950, comenzó a cantar gospel con sus hermanas Erma, 4 años mayor que ella, y Carolyn, 2 menor, en la Iglesia Baptista de Detroit, que regentaba su padre, un predicador apodado "La Voz del millón de dólares", que era uno de los confidentes del líder Martín Luther King, en cuyo funeral cantó Aretha.

Tuvo a su primer hijo a los 15 años

La pequeña pronto se reveló como una estrella en ciernes. Impactado por el talento de su hija, Clarence quiso que Aretha tomase clases de piano, pero la niña prefirió aprender por sí misma escuchando grabaciones de los clásicos. Admiraba a Clara Ward, James Cleveland y a Mahalia Jackson, quienes, además de ser las estrellas del momento, eran conocidas de la familia.

Pese a vivir en un ambiente tan pío, la joven Aretha no llevaba una vida puritana y tuvo a su primer hijo, Clarence Jr., con sólo 15 años. A los 17, repitió maternidad dando a luz a Eddie. Ambos fueron criados por la abuela de Aretha para que ella pudiera seguir adelante con la que prometía ser una gran carrera musical. Con sólo 14 años Aretha había abandonado el colegio para recorrer el país con su padre dando recitales gospel y ya entonces grabó su primer disco, "The gospel-soul of Aretha Franklin". En él abundaban las composiciones gospel con un potente sonido soul y las melodías de piano, instrumento que dominaba.

Su éxito la animó a viajar a Nueva York en 1960 para recibir clases de técnica vocal y danza y allí empezó a grabar maquetas para enviar a las discográficas. El mítico sello Motown se interesó por la joven prodigio, pero, finalmente firmó con Columbia, donde no se sintió bien tratada ya que la catalogaron como artista de jazz. Tras grabar un disco tributo a Dinah Washington, Aretha abandonó la discográfica en 1964. Dos años antes, a los 19, se había casado con su representante, Ted White, con quien tuvo a su tercer hijo, Teddy, pero se divorció en 1969, según algunas fuentes a causa de los malos tratos.

Tras abandonar Columbia, fichó por Atlantic Records, donde le propusieron profundizar más en su lado soul. El primer single que grabó allí fue "I never loved a man the way I love you", considerado por muchos críticos como una de las canciones más importantes del género. El tema fue un éxito, pero su verdadera consagración llegó en 1967 con el mítico "Respect", una versión que hizo casi olvidar el original de Otis Redding.

El 10 de marzo de 1967 Aretha Franklin publicó su primer álbum, "I never loved a man the way I love you", que contenía los dos singles anteriores, además de versiones de temas de Ray Charles o Sam Cooke Good y composiciones de la misma Aretha, como el famosísimo "Dr. Feelgood". Crítica y público se rindieron ante su poderosa voz -que más tarde sería oficialmente reconocida como "Bien Natural del Estado de Michigan"- y ese mismo año, ganó dos premios Grammy, siendo la segunda mujer en conseguirlo. También en 1967 publicó su segundo disco.

Madrina de la cantante Whitney Houston

Incansable, al año siguiente la cantante volvió a enamorar al público con "Lady soul", que contenía temas hoy clásicos como "Chain of fools" o "A natural woman" y una bonita colaboración con Eric Clapton. Los coros del disco los hacían The Sweet Inspirations, un cuarteto femenino en el que cantaba Cissy Houston, la madre de Whitney Houston, de quien Aretha es madrina. Sólo seis meses después, se publicó "Aretha now", que la mantenía en los primeros puestos de las listas de éxitos con canciones tan conocidas como "Think" o el popular tema de Burt Bacharach "I say a little prayer".

Aretha es una mujer de una personalidad arrolladora y, sin ser guapa, enamoraba e intimidaba a los hombres por igual. Mantuvo numerosas relaciones, siendo una de las más largas la que la unió a Dennis Edwards, del grupo The Temptations, pero él no se animó a casarse y ella se cansó: "Dennis llegó 15 años tarde. Cuando se dio cuenta de lo que tenía, a mí ya no me interesaba". Por su parte, el músico reconoce que "debería haberme casado con Aretha, pero me daba miedo unirme a una superestrella de tal calibre".

A finales de los 60, Aretha empezó a versionar temas de estilos tan distintos al suyo como el rock y el pop, cantando canciones de los Beatles o de Simon & Garfunkel. A pesar de ese giro, sus fans la seguían fielmente y su éxito no decaía. En 1971, la artista, que mantenía un romance con su representante Ken Cunningham, se volvió a quedar embarazada y dio a luz a su cuarto hijo, Kecalf. En esa época, empezó a interesarse por la música del momento, la disco, y cambió de imagen, apareciendo en la portada de "Let Me in Your Life", de 1974, como una gran "diva", envuelta en un abrigo de piel, lo que desagradó a muchos de sus seguidores.

Boda con un actor y fracasos discográficos

En 1978, se casó con el actor Glynn Turman, con quien no tuvo hijos y, cansada de sus fracasos discográficos, la cantante comenzó la década de los 80 cambiando de sello. En Arista, el productor Clive Davis relanzó su carrera con un soul modernizado y Aretha Franklin consiguió volver a lo más alto, pero sin renunciar a sus orígenes y, en 1984, grabó un disco de gospel en vivo en honor a su padre, Clarence, que falleció ese mismo año tras cinco en coma a causa de un tiro disparado por un ladrón. No fue una buena etapa para la cantante en su vida familiar, pues a la muerte de Clarence se unieron las de su hermana Carolyn, su abuela y uno de sus hermanos así como su divorcio de Turman.

Emocionada en la investidura de Obama

En los años posteriores, Aretha colaboró con los mejores artistas del momento, como Keith Richards, de los Rolling Stones, Elton John, Whitney Houston o George Michael, con quien llegó al número 1 de las listas con su dúo "I Knew You Were Waiting (For Me)" en 1987, el mismo año en que se convirtió en la primera mujer del Rock And Roll of Fame. Pero la cantante ya se sentía mayor para llevar el frenético ritmo de las estrellas de primera fila y dosificó sus actuaciones y grabaciones. Demócrata comprometida, cantó ante Bill Clinton en su investidura como presidente de EEUU en 1993 y repitió en la de Barack Obama, donde se mostró muy emocionada.

En 1990 dejó de fumar porque su voz ya no era la misma y, dos años después, recibió el Grammy por toda su carrera musical y acabó trasladándose definitivamente a Detroit -meca de la música negra- para crear su propia discográfica, Aretha Records. Unida sentimentalmente a Willie Wilkerson y aún en activo, ha sido elegida la mejor voz femenina del mundo.

La cantante tuvo que cancelar en 2010 dos apariciones en el barrio de Brooklyn, una en la mítica Coney Island y otra en Wingate, a causa de una enfermedad por la que tuvo que ser hospitalizada, y operada, durante varios meses pero de la cual no quiso ofrecer más detalles, aunque los medios barajaron la posibilidad de que la estrella de soul sufriera un cáncer de páncreas.

Aretha Franklin falleció el 16 de agosto de 2018 en su residencia de Michigan a los 76 años debido a ese cáncer de páncreas.

Josephine Baker: La Venus Negra

 

Freda Josephine Carson nació en St. Louis, Missouri, el 3 de junio de 1906. Siendo aún muy niña, su padre, Eddie Carson, percusionista de vaudeville, las abandonó a ella y a su madre, la lavandera Carrie McDonald.

Al poco tiempo, Carrie se volvió a casar con un hombre llamado Arthur Martin. Según contaba Josephine, Arthur era una bellísima persona, pero siempre estaba en paro, por lo que la situación de la familia, a la que, además, llegaron un niño y otras dos niñas, era precaria. Así las cosas, Josephine se vio forzada a dejar el colegio para trabajar como empleada del hogar y niñera en las casas de acomodadas familias blancas, en donde le recordaban a menudo que no besase a los niños.

Con solo 13 años, encontró un trabajo de camarera en The Old Chauffeur's Club. Trabajando allí conoció a su primer marido, Willie Wells, de quien se divorció poco después. A pesar de haberse casado, Josephine no dejó de trabajar, ya que, acostumbrada desde niña a salir adelante, nunca quiso depender económicamente de sus parejas.

En 1921, con solo 15 años, se casó de nuevo, esta vez con Willie Baker, de quién también se divorció. No obstante, conservó el apellido de su segundo marido.

Al año siguiente comenzó a trabajar como actriz cómica con The Jones Family Band y The Dixies Stepers junto a quienes recorrió los Estados Unidos. Cuando no tenía gira, la joven intentaba convencer a sus jefes de que la aceptaran como bailarina en The Dixies Steppers, pero solía ser rechazada por ser demasiado "flaca y oscura de piel", por lo que era relegada a labores de ayudante de vestuario. Eso sí, si alguna bailarina estaba enferma o faltaba, Josephine ocupaba su lugar. En el escenario, la chica explotaba su vis cómica bailando torpemente. Al público le encantaba y eso le valió el ganarse un puesto en el cuerpo de baile.

Tras una breve temporada de moderado éxito en el Plantation Club de Nueva York y en el Cotton Club de Harlem, Josephine se trasladó a Paris en 1925 para formar parte del grupo de coristas del espectáculo "La Reveu Négre". Aún no había cumplido  18 años pero, junto a su pareja de baile, Joe Alex, y ataviada simplemente con una falda de plumas, deslumbró a todo París con un baile fresco y sensual llamado "Danse Sauvage", que se representó por primera vez el 2 de octubre de 1925 en el Music-Hall de los Campos Elíseos.

Atrás quedaban ya los años de penurias en Missouri. Ahora, Josephine era una estrella que se gastaba su abultado sueldo en ropa, joyas y, sobre todo, mascotas. Según se dice, llegó a tener, a la vez, un leopardo (Chiquita) -al que ponía un collar de diamantes para salir a pasear por los Campos Elíseos-, un chimpancé (Ethel). un cerdo (Albert), una serpiente (Kiki), una cabra, un loro, varios periquitos, peces, tres gatos y siete perros.

Su gran salto al estrellato

Acabada la temporada de "La Reveu Négre" fue contratada como protagonista para "La Folie du Jour", que se representaba en el teatro Folies Bergère. Fue su salto definitivo al estrellato.

Con una voz privilegiada para el jazz y sin complejos para bailar vestida exclusivamente con una falda hecha de plumas o, la más popular, con 16 plátanos, se ganó los apelativos de "la Venus Negra", "La Diosa Criolla" o "la Perla Negra" y se convirtió en uno de los mayores iconos sexuales de los locos años 20 en Francia. Pronto abrió su propio club, Chez Josephine.

Se dice, incluso, que a ella se debió el éxito del charleston en Europa y que las pálidas parisinas comenzaron a usar productos para oscurecer su piel y parecerse a la Baker.

Su altísimo estatus le permitió, entonces, trasladar a su familia de St. Louis a Les Milandes, su finca en Castelnaud-Fayrac, Francia. Y es que, en 1927, era la artista del espectáculo mejor pagada de toda Europa y rivalizaba con Gloria Swanson y Mary Pickford por ser la mujer más fotografiada del mundo. El cine también se fijó en ella y, a principios  de los años 30, Josephine rodó dos películas "Zou-Zou" y "La princesa Tam-Tam".

Adoptó a doce niños de diferentes etnias

La vida no podía mostrarle una sonrisa mejor, pero, a su vuelta a los Estados Unidos, en 1936, la Baker descubrió que las pieles y las joyas que lucía no evitaban que los blancos siguieran sin aceptarla. Presentó un espectáculo en el Ziegfield Follies, pero las duras críticas -el New York Times hablaba de ella como "esa chica negra", cuando en Europa era una celebridad- y el rechazo del público forzaron su regreso a París, en donde adquirió la nacionalidad francesa y se casó por tercera vez con Jean Lion, de quien también acabó divorciándose.

A pesar de ser norteamericana, Josephine se implicó completamente en la causa francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Fue alférez del cuerpo auxiliar de mujeres de las Fuerzas Aéreas, llegando a ser condecorada por ello con la Cruz de Lorena en oro, y también cantó para las tropas (cuenta la leyenda que algunas de sus canciones contenían mensajes en clave para la Resistencia).

Pasada la guerra, en 1947 volvió a casarse. Esta vez se trataba del director de orquesta Jo Bouillon, con quien decidió adoptar a doce niños de diferentes etnias a los que llamaba "La Tribu del Arcoiris". Permitía a la gente entrar libremente en su finca francesa para que vieran lo felices que eran los pequeños a pesar de pertenecer a razas y religiones diferentes e, incluso, en un acto reivindicativo, llevó a todos sus hijos a Estados Unidos, haciendo gala de lo bien que vivían todos juntos.

No hay duda de que la discriminación racial a la que fue sometida desde pequeña la marcó mucho y, por eso, la integración se convirtió en su nueva lucha. Solía decir que "el odio racial no es natural, sino una emoción inventada" y, por eso, regresó a Estados Unidos, a principios de los años 50, para plantar cara a la discriminación. Exigía que en sus representaciones, el público estuviese mezclado, pero la respuesta de sus compatriotas fue desigual. En Miami consiguió un público mixto, pero en Atlanta se vio forzada a anular una actuación tras serle prohibida la entrada en un hotel. También el Strok Club de Nueva York rechazó su espectáculo y, por ello, Josephine inició una batalla periodística sin precedentes. En reconocimiento a su gran esfuerzo, la National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) eligió el 20 de mayo como día de Josephine Baker.

Volvió al escenario tras haber anunciado su retirada

A finales de los 50, la estrella anunció su retirada, pero los enormes gastos que generaba su querida "Tribu del Arcoiris" la obligaron a volver a los escenarios en más de una ocasión.

Así, en 1973, aceptó presentar un espectáculo en el Carnegie Hall de Nueva York. Aunque sus anteriores experiencias en Estados Unidos no le hacían presagiar nada bueno, esta vez el público la recibió en pie, con una calurosa ovación.¡Por fin, empezaba a ser profeta en su tierra!

Divorciada de nuevo comenzó una relación con el artista Robert Brady, con quien nunca se casó legalmente, aunque, en 1973, se intercambiaron sus votos matrimoniales en una iglesia de Acapulco, México, en la más estricta intimidad ya que Josephine temía que la ridiculizaran o que no tomaran en serio este nuevo compromiso.

Brady permaneció a su lado hasta su muerte, el 12 de abril de 1975. La actriz había superado un infarto en 1964, pero, esta vez, una hemorragia cerebral acabó con su vida. Solo cuatro días antes, la Baker se había subido al escenario del Bobino Theater de París para celebrar los 50 años de su carrera. La Princesa Grace de Mónaco o Sophia Loren fueron algunas de las personalidades que le aplaudieron entonces y, tras su muerte, más de 20.000 personas abarrotaron las calles de París porlas que pasó  el cortejo fúnebre en su camino hasta la iglesia de la Madeleine. El Gobierno francés la honró con una salva de 21 cañonazos, siendo Josephine Baker la primera mujer norteamericana que recibía honores militares en Francia. Fue enterrada en Mónaco.

 

Camilo Sesto: La voz romántica de la década de los 70

 

Camilo Blanes Cortés nació el 16 de septiembre de 1946 en Alcoy (Alicante). Fue el sexto hijo de Eliseo Blanes de Mora, electricista, y de Joaquina Cortés Garrigós, ama de casa. Pese a la dureza de la posguerra, la familia Blanes Cortés llegaba a final de mes sin problemas económicos, por lo que Camilo, que era el benjamín, fue un niño mimado que jugaba con coches de hojalata, trenes de cuerda y pelotas de trapo.

A los 3 años estuvo a punto de morir por una infección estomacal, pero varias transfusiones de sangre de su hermana Chelo, 12 años mayor, le salvaron la vida. El futuro cantante le devolvería el favor cuando, años después, la salvó de morir ahogada en una balsa de riego. De su infancia, el artista siempre ha recordado que nació "rodeado de montañas, me crié muy en contacto con la naturaleza y mis recuerdos infantiles están impregnados de aire libre. Fui un chico revoltoso, más amigo de las pandillas que de los libros y en un par de ocasiones me echaron del colegio".

En los Salesianos, donde estudiaba, los profesores descubrieron que tenía una voz portentosa y lo incorporaron al coro del colegio como solista. Las actividades extraescolares se le daban muy bien, pero sudaba tinta para aprobar las matemáticas. Siendo un crío, tenía muy claro que de mayor no quería ser ni bombero, ni futbolista, ni electricista. "Durante muchos años quise ser Joselito. Me sabía de memoria todas sus canciones, veía todas sus películas, fue mi primer ídolo y, aunque era muy diferente físicamente a mí, era el espejo en el que yo deseaba verme", explicó Camilo en una ocasión.

Sus inicios como cantante de bodas y bautizos

A los 13 años dejó sus estudios de bachillerato para dedicarse a la pintura, que le apasionaba, y se matriculó en la Escuela Municipal de Bellas Artes, al tiempo que empezaba a trabajar con su padre, llevándole los asuntos de la oficina. Pero la música seguía siendo su gran sueño y, con 18 años recién cumplidos, formó con unos amigos el grupo pop "Los Dayson", con el que cantaba en bodas y bautizos por la zona de Alcoy. Además de interpretar temas de Bee Gees, Beatles o el Dúo Dinámico, Camilo empezó a componer temas y, tras editar un primer disco en 1965, el grupo decidió ir a Madrid para participar en el concurso de TVE "Salto a la Fama", donde tocaron "Flamenco", de Los Brincos. Instalado allí, la vida en la capital era muy dura porque la música no le daba para vivir, así que se ganaba un dinero extra haciendo coros para otros artistas y vendiendo en el Rastro los paisajes y bodegones que pintaba. Con todo ello, pagaba la habitación de la pensión que compartía con un amigo.

Laura Cassale, el primer gran amor de su vida

"Los Dayson" pasaron sin pena ni gloria, pero a Camilo lo contrataron como solista de "Los Botines", que actuaron en aquella época como teloneros del dúo Juan & Junior (Juan Pardo y Junior). Su voz y su físico empezaban a ser muy populares y, con 21 años, ya había intervenido en dos películas: "El flautista de Hamelin", con Miguel Ríos, y "Los chicos de PREU", uno de los filmes más vistos en la historia del cine español. Comenzaba a ser famoso entre las quinceañeras, pero Camilo sólo tenía ojos para Laura Cassale, una compañera de profesión rubia, guapa y muy simpática. "Me enamoré por primera vez a los 19 años. Ya no era virgen y vivía en Madrid. Fue un gran amor, con todas sus consecuencias, para bien y para mal, y siempre lo recordaré", ha explicado.

Su incipiente éxito musical se vio eclipsado al tener que cumplir el servicio militar en Almería, pero a su regreso a Madrid intimó con Juan Pardo que, en 1970, le produjo su primer sencillo en solitario bajo el nombre de Camilo Sexto -por ser el número seis de sus hermanos-, que no tuvo una gran acogida. Su imagen con pantalones ajustados y acampanados, su pelo largo y su extraordinaria voz le convirtieron en todo un referente, especialmente con las canciones "Lanza tu voz" o "Ay, ay, Rosseta", dedicada a su novia, Rosseta Arbex, hermana del fundador de Los Brincos. Pero el éxito definitivo le llegó en 1971, -ya con el apellido artístico de Sesto-, con la canción "Algo de mí", una de sus letras más emblemáticas, con la que cruzó el Atlántico por primera vez en 1972. En Argentina triunfó y recibió su primer disco de Oro, y, en 1973, logró el quinto puesto en el Festival OTI de la Canción. Los dos años siguientes se convirtieron en los más fructíferos de su carrera con éxitos musicales como "Ayúdame" o "¿Quieres ser mi amante?", así como con la puesta en marcha de la ópera rock "Jesucristo Superstar". En ella, él daba vida a Cristo, Teddy Bautista era Judas y Ángela Carrasco hacía de María Magdalena. Al acabar la obra, la empresa Gillette le ofreció 40.000 euros si se afeitaba la barba en uno de sus anuncios, dinero que el cantante donó a un asilo de niños huérfanos.

En el capítulo sentimental se dijo que en aquella época vivió un idilio con Lucía Bosé, con quien compuso el tema "Amor, amar". En cualquier caso, entre ambos hubo una gran amistad y, en 1976, Camilo produjo el primer disco de Miguel Bosé, el hijo de la actriz. Famoso ya en todo el mundo, desde Japón hasta América Latina, una de sus actuaciones en el Radio City Music Hall de Nueva York recaudó 300.000 euros, y en su "show" en el Madison Square Garden fue presentado a los asistentes como "The Sinatra of Spain". En 1978, grabó una de sus canciones más conocidas y exitosas, "Vivir así es morir de amor".

Soltero empedernido y nada derrochador

Poco a poco empezó a nadar en la opulencia, pero lejos de comportarse como un advenedizo, llevó a rajatabla las enseñanzas de sus padres: "No me gusta la ostentación porque todo lo que brilla por su suntuosidad es una ofensa para quien no tiene nada. No soy un derrochador, pero tampoco un tacaño; lo que he ganado a lo largo de mi carrera lo he invertido porque quiero una vejez tranquila".

Pese a los continuos rumores sobre su posible homosexualidad, Camilo siempre ha estado rodeado de mujeres hermosas, "porque me divierten, me distraen, me gustan y me apasionan, pero no pienso casarme jamás. Me confieso un poco egoísta al no querer perder mi completa libertad". Por sus brazos pasó la artista argentina Marcia Bell, con la que vivió un tórrido romance en 1974, que después se convirtió en una fuerte amistad hasta que ambos dejaron de hablarse en los últimos años: "Se ha convertido en una persona muy extraña, no sale de casa, es un ermitaño. Durante nuestra relación mantuvimos relaciones sexuales a pesar de que se dijo que era gay y en sus ratos libres le encantaba peinarme, vestirme y pintarme", declaró ella. También estuvo enamorado de la modelo Denise Brown. Con la actriz Maribel Martín estuvo a punto de casarse, la miss puertorriqueña Lizette Rodríguez le dejó una profunda huella y Andrea Bronston, hija del director Samuel Bronston, fue una de sus mejores amigas.

Un hijo con Lourdes Ornelas, una de sus fans

Pero fue la mexicana Lourdes Ornelas, una de sus fans más entusiastas, quien le dio su bien más preciado el 24 de noviembre de 1983, cuando nació su hijo, Camilo Michel, llamado familiarmente Camilín. No pasó mucho tiempo antes que aquella paternidad fuera puesta en entredicho. "¿Si fue un hijo querido o un accidente? Cuando alguien es amiga íntima surgen situaciones en las que el amor y la pasión estallan. Con nosotros pasó eso y mi hijo es fruto del amor", aseguró el cantante.

En 1987, Camilo se retiró por primera vez de los escenarios "porque quiero hacerme mayor viendo crecer a mi hijo. No porque me esté muriendo, como dicen algunos, sino porque quiero vivir de otra manera". Sin embargo, desde algunos sectores se apuntaba que la retirada del cantante se debía al gran cansancio que sentía después de los más de 6.000 conciertos realizados desde su debut. Dos años más tarde, protagonizó un gran revuelo al distanciarse de Lourdes y obtener la custodia de su hijo en medio de una agria disputa entre ambos. Lourdes alegaba que Camilo quería comprarle a su hijo y el cantante aseguraba que "Lourdes no le puede dar una buena vida porque no sé a qué se dedica ni sé cuál es su domicilio". Desde entonces, el cantante ejerció de "pama" (papá y mamá). "Dejé de cantar para estar a su lado. La paternidad en solitario es dura, pero tiene un halo de luz que te abraza y te hace ver uno de los milagros de la vida. Lo que mi hijo me aporta es algo tan grande que no se puede describir en palabras", declaró. En 1991, volvió a la música con el disco "A voluntad del cielo" y realizó giras multitudinarias por diferentes países de habla hispana. Tras residir en Miami durante varios años, en 1997 volvió a España, donde sacó el disco recopilatorio "Camilo Superstar" y se puso manos a la obra para grabar "El fantasma de la Ópera", uno de sus proyectos musicales de más envergadura qué, sin embargo, no llegó a comercializarse por motivos legales.

Enfermedades varias y un trasplante de hígado

Personaje misterioso y enigmático (siempre permanece recluido en su casa, ajeno a las fiestas y eventos sociales), su delgadez, su extrema palidez y su característica melena han dado lugar a los más variados rumores sobre su estado de salud. Se dijo que había muerto en diferentes ocasiones, que había donado sus ojos, que tenía SIDA, hepatitis, leucemia, enfermedades contagiosas, agorafobia y que era maníaco depresivo. "Todo han sido mentiras. Me han adjudicado todas las enfermedades del mundo, menos mal que sé resucitar o que tengo cien vidas como los gatos", asegura. Sin embargo, los rumores sobre su delicado estado de salud dejaron de serlo, en el 2001, para convertirse en una realidad cuando tuvo que someterse a un trasplante de hígado. "Mi mayor éxito es estar vivo. En esta vida no le tengo miedo a nada y me sigo aferrando a las cosas terrenales con más fuerza que nunca", admitía semanas después de la operación.

En cuanto se recuperó, editó el disco "Alma", cuyo sencillo "Mola Mazo" fue un auténtico bombazo entre la gente joven. Este trabajo musical le trajo quebraderos de cabeza, ya que su amiga Isabel Patton le acusó de no haberle pagado ni un euro por haber publicado varias canciones en las que la voz femenina era la de ella. Desde entonces, son muchos los sucesos que han intentado manchar el nombre de Camilo, como, por ejemplo, las declaraciones de su ex novia Marcia Bell contando en diferentes programas las rarezas y manías del artista, el extraño accidente de su hijo al caerse desde el tercer piso de un hotel o cuando salió a la luz el crudo distanciamiento con su hermana Chelo, una situación polémica ya que se dijo que el cantante la había echado de casa.

Ajeno a los dimes y diretes, Camilo siguió con su trabajo y, en 2008, inició su gira de despedida que tituló "Camilo Pura Vida", con la que ha recorrido Ecuador, Guatemala, Honduras, Costa Rica, Venezuela, EEUU, Chile o Madrid, donde en 2010 grabó el único disco en directo de toda su carrera, llamado "Todo de mí", que asegura que será el último disco que editará.

Desde 2014 y pese a su retiro anunciado, Camilo continuó realizando actuaciones esporádicas en países como Argentina, Chile, Perú, Colombia, Puerto Rico, México y Estados Unidos.

A finales de 2016, coincidiendo con su cumpleaños número 70, se publica un nuevo recopilatorio llamado Camilo70, este CD contiene 60 canciones, entre éxitos y temas inéditos.

En 23 de noviembre de 2018, se publicó el álbum Camilo Sinfónico, donde que incluyen algunos de sus grandes éxitos con la Orquesta Sinfónica de RTVE.

El 8 de septiembre de 2019 el equipo de Camilo Sesto anunció su fallecimiento a través de la cuenta oficial del artista en la red social Twitter: «Queridos amigos y amigas, lamentamos mucho comunicaros que nuestro gran y querido artista Camilo Sesto nos acaba de dejar. Descanse en paz». Posteriormente, la madre de su hijo, Lourdes Ornellas y también su representante, Eduardo Guervos, confirmaron su deceso a los medios.

La causa de la muerte de Camilo Sesto fue un paro cardiorrespiratorio asociado a un fallo renal, por el cual ya mantenía un delicado estado de salud desde hacía varios años.

Varias figuras del mundo del espectáculo lamentaron el deceso del cantante, entre ellos Raphael, Julio Iglesias, Isabel Pantoja, Alejandro Sanz, Antonio Banderas, Marta Sánchez, Pablo Alborán, Paloma San Basilio, José Luis Perales, Yuri, Ángela Carrasco y Carlos Baute entre otros.

Albano: Popular cantante italiano

 

Albano Carrisi nació el 20 de mayo de 1943 en Cellino San Marco, un pueblecito del sur de Italia. Fue el mayor de los dos hijos varones de un matrimonio de campesinos pobres formado por Iolanda Ottino y Carmelo Carrisi, quien, a raíz de combatir en el ejército italiano en Albania, le pidió a su mujer que llamaran a su primogénito Albano. Al pequeño le pusieron Franco. El gusanillo de la música le picó siendo un crío, cuando su padre le compró una radio y empezó a cantar los temas de Domenico Modugno y Claudio Villa. "Al acabar, la gente de la calle me aplaudía", ha recordado en alguna ocasión. A los 12 años, tras componer su primera canción improvisándola con la guitarra, les dijo a sus padres que se dedicaría al mundo de la música.

Albañil, operario metalúrgico y pizzero

A los 17 años, persiguiendo su sueño, dejó el instituto y se mudó a Milán. "Mi familia cortaba la uva y se la vendía a los latifundistas, pero cuando me fui, les dije a mis padres que un día volvería y construiría una bodega para ellos. Al principio no compartían que yo quisiese dedicarme a la música, pero los acabé llevando conmigo a todas las partes del mundo", comentaría años después. A su llegada a la gran ciudad, trabajó como albañil, operario metalúrgico y pizzero, mientras en sus ratos libres cantaba y componía. Cuando trabajaba en el restaurante Il Dollaro, frecuentado por celebridades, conoció al productor Pino Massara, que le ofreció hacer una prueba en su estudio, que buscaba nuevos talentos bajo la atenta mirada del célebre cantautor Adriano Celentano, a la sazón ídolo de Albano. Así, en 1965, grabó su primer disco, "La Strada", con el nombre artístico de Al Bano. Un año después, debutó en el Festival de la Rosa y empezó a componer canciones como "Io di notte", "Pensando a te" y "Acqua di mare", algunas de ellas incluidas en las películas que protagonizaba, pero su primer gran éxito fue en 1967 con "Nel sole". Precisamente en el rodaje de una película con ese mismo nombre conoció a la mujer de su vida, la norteamericana Romina Power. El romance entre los jovenes se fue fraguando, aunque a Linda Christian, la madre de Power, no le convencía.

En aquel momento, Al Bano era una de las voces más prometedoras de la música italiana y, en 1968, participó en el prestigioso Festival de San Remo, donde consiguió el premio a la mejor canción por "La siepe". Aunque Linda amenazó con no asistir a la boda, la pareja se casó el 26 de julio de 1970 en la iglesia de Caterine de Cellino San Marco, localidad donde fijaron su residencia. Su primer hijo, Ylenia, nacio en 1971 y, dos años más tarde, vino al mundo Yari Marco. En 1975, formaron el dúo Al Bano & Romina Power, con el que editarían 20 discos, participarían dos veces en Eurovisión (en 1976 con "We'll live it all again" y, en 1985, con "Magic oh Magic") y cinco en el Festival de San Remo (el tema que cantaron la primera vez que fueron, "Felicitá", en 1982, vendió más de seis millones de copias en todo el mundo.

Desaparición de Ylenia en Nueva Orleans

A lo largo de su carrera artística, Al Bano y Romina se convirtieron en una de las parejas pop más conocidas en Alemania, Austria, Francia, Europa del Este, Latinoamerica y, sobre todo, en España. En 1986, fueron padres de su tercer hijo, Cristel Chiara, y al año siguiente llegó Romina Iolanda. Para el mundo eran la pareja perfecta y la estampa de la felicidad, el equilibrio, el amor y la serenidad.

Con motivo del vigésimo aniversario de su boda, el cantante comentó que no había "secreto en nuestra felicidad, sólo se necesita mucho amor, comprensión y tener muy claro el concepto del matrimonio y de la familia. No creo que haya fórmulas para conseguir esto; si acaso, un diálogo inteligente. La mejor enseñanza respecto a esto la aprendí de mis padres, que llevan juntos más de medio siglo y no pueden pasar el uno sin el otro". En 1993, Al Bano demandó a Michael Jackson asegurando que el tema "Will you be there", del álbum "Dangerous", era una copia del suyo "I cigni di Balaka", publicado con anterioridad. Aunque seis años más tarde Jackson fue declarado culpable, en el 2001 fue absuelto.

Mientras la familia Carrisi al completo viajaba por EEUU rodando el documental "La América perdida", Ylenia Carrisi decidió quedarse ella sola en Nueva Orleans, donde el 6 de enero de 1994 desapareció misteriosamente. Según la investigación oficial, la joven se suicidó tirándose al río Mississippi, pero lo cierto es que el cuerpo nunca fue encontrado. La tragedia por haber perdido a su primogénita golpeó duramente al matrimonio y resquebrajó los cimientos de su relación. Mientras Al Bano se aferraba a su fe católica para entender la muerte de Ylenia, Romina se negaba a admitirlo y buscaba cualquier pista que la diera por viva. La magia que había vivido el matrimonio se perdió y, poco a poco, se fueron convirtiendo en dos extraños. La gota que colmó el vaso fueron las noticias falsas propagadas por numerosos investigadores y periodistas, en especial la difundida por Lydia Lozano quien, en Telecinco, aseguró que la joven vivía en la República Dominicana.

En 1996, Al Bano comenzó una carrera musical en solitario -el dúo había publicado ese mismo año su último disco, "Ancora... Zugabe"- con el tema "È la mia vita" que cantó, con éxito, en países como Rusia y Japón. En 1999, el cantante decidió separarse, profesional y personalmente de Romina porque para entonces ya no tenían nada en común. "Todo lo que hacía no le gustaba a ella y viceversa. Estar bajo el mismo techo se hacía cada vez más difícil. Ella hacía tiempo que seguía una cultura distinta a la mía. Tomaba drogas blandas, estaba sujeta a altibajos de humor. El único camino era la separación, que yo propuse y, después de algunos años, ella aceptó", explicó.

Loredana Lecciso, su segunda esposa

En el 2000, Al Bano rehizo su vida con la "showgirl" italiana Loredana Lecciso, casi tres décadas más joven y a la que conoció de una forma bastante particular: se habían visto varias veces a las puertas del colegio de monjas en el que estudiaban las dos hijas pequeñas del cantante, Cristel y Romina, y a donde Loredana iba a buscar a su hermana pequeña, compañera de Romina jr. Iniciada su relación, enseguida llegaron los bebés: Jasmine Caterina nació en el 2001 y Albano Giovanni, en el 2002. De puertas afuera todo parecía ir sobre ruedas, pero en la intimidad las cosas eran muy diferentes y, en el 2005, Loredana abandonó el hogar conyugal en Cellino San Marco cuando el cantante participaba en la República Dominicana como parte de reality "La isla de los famosos". Tras estas dos separaciones, Al Bano comprendió que "lo que sentí por Romina ha sido lo más intenso e indiscutible de mi vida y con Loredana Lecciso me faltaba la conexión con la música que me unía a mi primera mujer". Hace dos años, la aparente corrección que había entre el exmatrimonio y exdúo se rompió cuando Romina acudió a "Sálvame deluxe" y desveló aspectos secretos de su relación: "Al Bano me pegó una patada y algunas bofetadas. Era muy posesivo. Los hombres no podían ni mirarme y si yo miraba a un joven en la calle se enfadaba"; "No hubo maltratos graves, no me dejó cicatrices. Él no sentía amor, sino obsesión"; "Ylenia tenía un completo rechazo por su padre, no quería hablar con él"; "No pensaba que podría separarme de un hombre así, un dictador", fueron algunas de sus declaraciones. Al Bano no tardó en contestarle: "Es todo mentira, nunca la maltraté, jamás le pegué. Me siento como de otro mundo, esto carece de sentido y veracidad"; "Ella no vive la realidad"; "La he amado siempre y le mandaba rosas, ¿Esto es maltratarla?"; "Es la madre de mis hijos y absolutamente ha sido la mujer de mi vida". Tras aquellas duras acusaciones, el cantante sentenció: "El enfrentamiento con Romina me ha parecido incomprensible. Pero la guerra ya se terminó".

 

Embajador de la FAO y productor de vino

A lo largo de su carrera, Al Bano ha conseguido 26 discos de oro, 8 de platino, ha cantado 7 veces ante el papa Juan Pablo II, es embajador de buena voluntad de la FAO y se dedica en cuerpo y alma a sus viñedos. Empezó a cultivar vides en 1973 y, después de mucha paciencia y esfuerzo, ahora ya comercializa a nivel mundial tres estupendos caldos: Felicità, Platone y Don Carmelo. "Mi padre estaba seguro de que lo conseguiría. Siempre me decía: 'Eres terco como un mulo y si te empeñas en algo, no paras hasta conseguirlo'". Cumplidos los 70 años y tras haber superado un cáncer de próstata, Al Bano puede vanagloriarse de haber conseguido prácticamente todos sus sueños. 

Participó con la canción Nel perdono en el Festival de San Remo de 2007; allí se encontró con Romina Power después de diez años, aunque ya se habían visto en algunas ocasiones. En diciembre de 2016 fue operado del corazón tras sufrir dos ataques cardíacos cuando se encontraba realizando las pruebas para el concierto de Navidad en el Auditorio Conciliazione de Roma, cercano a la Plaza de San Pedro del Vaticano.. En Marzo de 2017 fue ingresado de urgencia tras sufrir una leve isquemia.

Adele: Cantante pop británica

 

Adele Laurie Blue Adkins nació el 5 de mayo de 1988 en el barrio londinense de Tottenham. Fue la única hija habida de la relación de Penny Adkins, que tenía 18 años cuando nació la niña, y Mark Evans, que las abandonaría cuando la pequeña contaba 3 años. Aunque Adele siguió viendo a su progenitor, su relación siempre ha sido algo distante. Desde pequeña fue una niña muy alegre que nunca se sintió sola. "Tenía 30 primos que vivían cerca de casa. Iba a verlos y siempre estaban peleándose. Luego volvía a casa, a mi habitación ordenada, con juguetes que no estaban rotos y no tenía que pelear por mi Barbie. Tenía lo mejor de ambos mundos", ha explicado. A los 4 años ya le encantaba cantar y, sobre todo, imitar las voces y coreografías de su grupo favorito: las Spice Girls. "Daba pequeños conciertos en mi habitación para mi madre y sus amigos. Mamá se ocupaba de la parte artística y movía todas las lámparas para que me iluminaran mientras ellos se sentaban en la cama para verme", explica en su web.

A los nueve años, la madre de Adele, que trabajaba como profesora para adultos, tuvo que mudarse a Brighton, llevándose a su hija con ella. También las acompañó el marido de su madre, al que Adele siempre ha llamado papá. En 1999, la familia regresó a Londres y la niña vivió uno de los momentos más dolorosos de su vida con la muerte de su abuelo materno, John Adkins, al que estaba muy unida.

Fascinada por la voz de la cantante Pink

Mientras estudiaba secundaria, Adele se interesó por el Rythm&Blues y escuchaba a artistas como las Destiny's Child o Aaliyah. A los 14 años, asistió a un concierto de Pink en la Brixton Academy, experiencia que la fascinó: "Nunca antes había oído a nadie cantar en directo de aquella manera. Fue increíble". Terminada la secundaria, se matriculó en la Brit School os Perfoming Arts de Croydon, centro que tiene entre sus famosos exdiscípulos a Amy Winehouse y KateNash. Allí, Adele reafirmó su decisión de dedicarse profesionalmente al mundo de la música. En la Brit School, una de las personas que más influyeron en ella artísticamente fue su vecina de cuarto, Shingai Shoniwa, cantante del grupo The Noisettes. "Solía oírla a través de las paredes y su voz y su música me hicieron desear ser autora y no sólo cantar las canciones de las Destiny's Child", ha declarado. Según sus compañeros, Adele era una chica divertida, ingeniosa y extrovertida, con una voz prodigiosa. Para ayudarla, sus amigos crearon, en el 2006, una página en MySpace donde colgaron algunas de las canciones que Adele había grabado para un trabajo de clase.

Pocos meses después de que sus temas llegaran a Internet, la joven, que acababa de graduarse, recibió una llamada de la discográfica XL Recordings, proponiéndole una entrevista de trabajo. Adele pidió a una amiga que la acompañara porque nunca había oído hablar de esta compañía. Los directivos y la cantante llegaron a un acuerdo para que la británica grabara su primer álbum, que Adele eligió llamarlo "19", la edad que tenía entonces. Inspirándose en los recuerdos de su infancia en Tottenham, la cantante compuso el primer sencillo, "Hometown Glory", que se publicó en octubre del 2007.

Traumática ruptura con su primer novio

El disco "19", que salió al mercado en enero del 2008, se convirtió en un éxito de ventas y, en pocas semanas, Adele pasó a ocupar el número 1 de las listas. Cuatro meses después, debía iniciar una gira por Estados Unidos pero la suspendió repentinamente alegando  problemas personales. Tras una dolorosa ruptura con su novio, la joven quiso aislarse del mundo y no ver a nadie. "Ahora no puedo creer que hiciera eso. Fui tan desagradecida... Además , estaba bebiendo demasiado porque ésta era la base de mi relación con él", ha contado. Tras meses sumida  en esa crisis, se prometió dejar la bebida y recuperar la normalidad.

En octubre del 2008, Adele intervino  en EEUU en "Saturday Night Live", emisión que consiguió la mejor audiencia del programa en 14 años. Los dos temas que interpretó cautivaron al público estadounidense convirtiéndose, al día siguiente, en los más descargados en iTunes. En los Grammy del 2009, la británica estuvo nominada en las categorías de mejor artista revelación y de mejor actuación femenina de pop, pero no se llevó ninguno de los premios. A lo largo de ese año, la cantante alternó los conciertos promocionales de su disco con actuaciones benéficas, que tenían como objetivo recoger fondos para los colectivos más desfavorecidos.

A lo largo del 2010, Adele trabajó intensamente en el que fue su segundo disco "21", cuyas canciones nacieron del trance que le supuso la ruptura con su novio, cuya identidad nunca ha desvelado. "Aún le quiero. He sacado un disco de él. Le he usado yo más a él que él a mí", dijo, confesando que por ese amor lo hubiera dejado todo: "Ahora estaría cantando en la ducha, pero sí... hubiese renunciado a mi carrera, a mis amigos, a mis aficiones..."

Ventas millonarias

Entre las influencias musicales más destacables de su segundo disco se encuentra el country, que Adele conoció por el conductor del autobús en el que realizó su gira por el sur de EEUU. El disco, que salió en enero de 2011 en el Reino Unido y poco después en el resto del mundo, se colocó en el número 1 en casi una veintena de países. En un mes, vendió dos millones de copias de este trabajo, que contiene "Rolling in the deep", uno de sus temas más logrados. En el mes de noviembre, la joven se convirtió en la primera artista europea que vendía más de un millón de copias en iTunes. Hasta la fecha, "21" ha alcanzado los 18,1 millones de ejemplares, cifra que lo convierte en el disco más vendido de lo que llevamos de siglo.

Mientras saboreaba el éxito de su segundo trabajo, Adele recibió la noticia de que debía ser operada de la garganta tras serle detectado un pólipo benigno en las cuerdas vocales. La cantante se vio obligada a cancelar todos los conciertos que le quedaban ese año y no reapareció hasta febrero del 2012, cuando actuó en la gala de los premios Grammy, ceremonia en la que se coronó como la gran triunfadora al llevarse seis galardones, entre ellos, el de mejor disco del año (por "21"), mejor canción ("Rolling in the deep") o mejor interpretación de pop solista por "Someone like you".

Retirarse de la música por amor a su pareja

A principios del 2012, Adele sorprendía anunciando que se retiraría durante cuatro o cinco años para que su carrera no interfiriera en la relación que mantiene con Simon Konecki, un empresario 13 años mayor que ella, pero pocos días después se desdecía de sus declaraciones a través de su blog. El éxito de la cantante provocó que un fotógrafo francés asegurase que tenía un vídeo comprometedor de la artista manteniendo relaciones sexuales. Han trascendido fotos, con primeros planos de Adele, pero ningún tipo de imágenes, lo que hace pensar que podría ser un montaje.

A lo largo de su corta pero intensa carrera, la artista ha tenido que escuchar muchos comentarios sobre su figura como el de, por ejemplo, el diseñador Karl Lagerfeld, que la tildó de "gorda". Un comentario que no pareció afectarla y aseguró que "me encanta la comida y odio ir al gimnasio. No quiero estar en la portada de "Playboy" o "Vogue", quiero estar en la de "Rolling Stone", pero lo cierto es que empezó a hacer dieta y practicar Pilates para perder unos kilos. Mujer de carácter fuerte, Adele, que ya se ha comprado una gran casa con lo que ha ganado, no dudó en hacer una "peineta" cuando en los Brit Awards le quitaron el micrófono por extenderse demasiado en su alocución tras ser premiada. Ahora su nombre suena como la artista que podría cantar el tema principal de la nueva película de James Bond.

Freddie Mercury: Cantante de rock y líder del grupo Queen

 

Farrokh Bulsara -verdadero nombre de Freddie Mercury- nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla africana de Zanzíbar, que fue protectorado británico y actualmente forma parte de Tanzania. Hasta allí habían llegado los padres del futuro líder de Queen, Bomi y Jer Bulsara, un matrimonio de origen parsi, descendientes de los persas que emigraron a la India en el siglo VII y practicantes de la religión zoroástrica. Gente emprendedora, la pareja estuvo a cargo de varios negocios, lo que les permitió tener un buen nivel de vida. Farrokh fue un niño guapo y tímido, muy apegado a su madre y a su hermana pequeña, Kashmira, nacida en 1952.

Música y primeras experiencias homosexuales

Tras hacer parte de la primaria en Zanzíbar, a los 8 años sus padres decidieron enviarlo a la India para que recibiera una buena educación en el prestigioso Saint Peter's School, internado masculino de enseñanza británica situado en Panchgani, a unos 50 kilómetros de Bombay, la ciudad india donde vivían sus tíos y abuelos y de donde eran originarios sus padres.

Alumno aplicado, al joven Bulsara le gustaban mucho los deportes y demostró ser un buen jugador de criquet, hockey, atletismo, tenis de mesa y boxeo, pero también un excelente cantante -ingresó en el coro de la escuela- y tan buen músico que los profesores le animaron a que siguiera estudios de piano. En aquellos años en el internado vivió sus primeras experiencias homosexuales, que mantuvo en secreto para no disgustar a sus padres, cuya religión negaba toda relación sexual que no fuera para la procreación. Farrokh tampoco les habló de su primer grupo de música, "The Hectics", que montó con cuatro amigos de clase: Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani y Victory Rama. Aquella primera banda era una formación amateur de rock & roll con influencias de la música hindú y la música clásica, que prodigaba sus actuaciones en todas las fiestas y bailes del colegio: "Tenía una increíble habilidad para oír una melodía por la radio y reproducirla, inmediatamente, en el piano", recordaba de él uno de sus compañeros de escuela, donde empezaron a llamarle Freddie.

Traslado a Inglaterra

En 1962, tras acabar el bachillerato con excelentes notas en historia, inglés y arte, tuvo que volver con su familia a Zanzíbar. No obstante, un par de años después, cuando en la isla se empezaron a vivir disturbios por la lucha independentista, los Bulsara -al igual que la mayoría de los indios acomodados- decidieron dejar la isla. Un poco presionados por Freddie, se trasladaron a Feltham, un apacible pueblo del condado inglés de Middlesex donde Bomi Bulsara encontró trabajo en un pequeño hotel. Freddie se matriculó en el Isleworth Polythecnic y, durante las vacaciones, se sacaba un dinerillo extra trabajando en los empleos más peregrinos. Más tarde, inició estudios en la Ealing Art School para cursar diseño gráfico pese a que seguía muy interesado por la música. De hecho, sus mejores amigos le definían entonces como un chico tímido, ingenioso y absolutamente loco por cantar. Por aquel entonces, dejó la casa de sus padres y alquiló un piso en el barrio londinense de Kensington que compartía con un amigo, Chris Smith. Tres años después, se diplomó en artes gráficas y diseño, oficio que nunca llegaría a ejercer salvo para hacer la composición de la carátula del primer disco de Queen. Para sobrevivir, vendía ropa y pinturas en un mercadillo londinense y se había hecho muy amigo de Tim Staffell, compañero de la Ealing, que había formado una banda con el joven guitarrista Brian May, a la que después se unió el baterista Roger Taylor, un estudiante de odontología. El grupo, llamado Smile, actuaba de telonero de artistas consagrados como Genesis, Yes, Jimi Hendrix y Pink Floyd. Aquel año de 1969, Staffell firmó un contrato con Mercury Records para que Smile grabase su primer disco, pero el sencillo fue un fracaso tan rotundo que Tim dejó el grupo para unirse a otra formación, aunque les recomendó a sus compañeros que incorporasen como vocalista a su amigo, Farrokh Bulsara, que era un absoluto fanático de Smile. Antes de eso, Freddie había sido intérprete en un grupo llamado Ibex, que intentaba triunfar pero que sólo logró una efímera y complicada existencia. Tras la fallida experiencia, Freddie lo intentó en otra banda, Sour Milk Sea, con la que contactó gracias a un anuncio en el que pedían un vocalista, sin embargo aquella aventura acabó en abril de 1970, cuando definitivamente se unió a Smile.

Decididos a cambiar el nombre de la banda, Brian propuso llamarla Build Your Own Boat (construye tu propia barca), pero Freddie apostaba por Queen (reina), pese a la fuerte connotación gay que esa palabra tenía. Después de muchas discusiones, Mercury -Freddie ya había empezado a utilizar ese apellido porque Mercurio era el planeta regente de su signo, Virgo- acabó saliendo con la suya y Queen quedó como el nombre de la que iba a ser uno de los grupos británicos más famosos de todos los tiempos. En 1971, John Deacon se unió a la banda, que quedó definitivamente formada. Freddie creó el logo usando los signos zodiacales de los cuatro integrantes: dos hadas para él (Virgo), dos leones para John y Roger (Leo ambos) y un cangrejo para Brian (Cáncer).

Mary Austin, su novia durante seis años

A través de Brian, Freddie conoció a una joven llamada Mary Austin, de la que se quedó absolutamente prendado. Tanto que se fueron a vivir juntos y tuvieron una relación que duró seis años, aunque nunca llegaron a casarse. Su devoción por ella fue tal que le compondría la canción "Love of my life".

En 1971, consiguieron grabar cinco canciones para una demo a la espera de lograr un contrato con una discográfica, pero éste no llegaría hasta el año siguiente, en que los Queen iban a grabar al estudio aprovechando los tiempos muertos de otras celebridades. Así fue como, el 13 de julio de 1973, salió al mercado el primer disco bajo el título "Queen", con un sonido hard rock y que llamó la atención de mucha gente. La canción "Seven Seas of Rhye", compuesta por Mercury y que formaba parte de su segundo disco, se coló en la lista de éxitos británica, aunque el verdadero primer bombazo del grupo fue "Killer Queen", y se inmortalizaron con el "single" "Bohemian Rhapsody" -del álbum "A Night At The Opera" (1975)-, canción que, además de estar considerada la mejor del siglo XX, inauguró la época del videoclip, género que a Mercury le encantaba y con el que logró reflejar su gusto por la irreverencia y la provocación. Buena prueba de ello sería el clip que, en 1984, harían para la canción "I want to break free", en el que los cuatro componentes del grupo se travistieron en una delirante parodia de "Coronation Street", una telenovela que entonces arrasaba en Inglaterra.

Cuando Freddie se convirtió en una celebridad internacional, Mary se obsesionó con que le dejaría por otra mujer. Y no fue, ciertamente, por otra fémina por quien se rompió su convivencia, sino por un hombre: el cantante mantuvo una relación con un ejecutivo de la compañía Elektra Records que supuso el abrupto final de su noviazgo. A partir de ese momento, prácticamente todas las parejas de Freddie fueron hombres, que no entendían por qué tenía a su exnovia en un pedestal. "Es la única gran amiga que tengo en la vida -solía decir de ella el cantante- y no quiero romper la química tan especial que hay entre nosotros. Le confieso todos mis miedos y compartimos montones de secretos".

Un estilo impactante

Queen nació en los tiempos del glam-rock, estilo musical que basaba su potencial artístico en la imagen impactante de músicos y cantantes y Freddie Mercury fue uno de los abanderados del movimiento con estilos que marcaron tendencia. Su cabello largo, las uñas pintadas de negro, los pantalones ajustados -especialmente sus mallas ajedrezadas al estilo arlequín- sus botas, sus zapatos de tacón o sus collares llamativos nunca pasaron desapercibidos. Luego, pasó a usar chaquetas y pantalones de cuero, gafas oscuras y, finalmente, en 1980, cambió su imagen por completo: se cortó el pelo, se dejó bigote y adelgazó bastante, un nuevo estilo que no gustó demasiado a sus fans que empezaron a enviarle esmalte de uñas y cuchillas de afeitar. Él mismo aseguró que acabó por aburrirse de tanto modelito, pero tampoco escondía que comercialmente funcionaba.

A principios de los 80, conoció a una nueva mujer, la exuberante actriz austríaca Barbara Valentin, que aparecía en el vídeo "It's a Hard Life", con la que inició una relación que no duró mucho. A finales de 1982, el grupo decidió tomarse un respiro y Freddie publicó en solitario dos discos: "Mr. Bad Guy" y "The Freddie Mercury Album", que fueron grandes éxitos en el Reino Unido. Tras unirse nuevamente, el 13 de julio de 1985 fue uno de sus días más inolvidables al participar en el Live Aid, retransmitido a todo el mundo.

"Barcelona", un éxito con Montserrat Caballé

En marzo de 1987, quiso conocer a Montserrat Caballé, a la que admiraba enormemente y para la que compuso varias canciones que la diva catalana cantó en el Covent Garden londinense. Se entendieron tan bien que Freddie -que la llamaba cariñosamente Montsy- compuso el álbum "Barcelona", cuyo tema principal, también "Barcelona", cantaron a dúo con Caballé el 8 de octubre de 1988, en una actuación que sería la última del cantante. Fue tal el éxito del tema que se convirtió en el himno oficial de las Olimpiadas de Barcelona de 1992. A finales de los 80, el aspecto de Mercury empezó a dar claros signos de que algo no andaba bien: cada vez estaba más demacrado y sus fuerzas empezaban a flaquear. Se especuló con que tenía sida, pero él lo negó rotundamente. Siguió desmintiéndolo hasta el 23 de noviembre de 1991, fecha en la que lo admitió a través de un comunicado, sin desvelar que le habían detectado la enfermedad en 1987 y pidiendo a sus fans que apoyaran la lucha contra el sida. Al día siguiente, falleció en su mansión de Kensington, víctima de una neumonía. Legó el 50% de su fortuna, su casa y los royalties de sus canciones a Mary Austin; sus padres recibieron un 25% y su hermana otro 25. A Jim Hutton, peluquero que fue su última pareja y que moriría años después también por sida, le dejó medio millón de libras.

Joan Báez: La reina de la música folk

 

Joan Chandos Báez nació el 9 de enero de 1941 en Staten Island, New York. Fue la hija mediana del matrimonio formado John Báez, afamado físico de origen mexicano, y Joan Bridge Báez ama de casa escocesa. Debido al trabajo del patriarca como profesor y asalariado de la UNESCO, la familia se mudó en repetidas ocasiones a diferentes ciudades americanas y a países tan diferentes como Francia, Suiza, Italia o Irak, donde vivieron hasta 1951. Con tan solo 10 años , la pequeña Joan empezó a ser consciente de la pobreza y las injusticias que sufren los más desfavorecidos. Junto a su hermana mayor, Pauline, y la pequeña, Mimi, fue testigo en Bagdad del trato vejatorio al que sometían a los ciudadanos; veía apaleamientos mortales de personas o animales, niños sin piernas mendigando...Años después, confesó que aquellas imágenes jamás se le borraron de la mente.

Sus inicios musicales

Al regresar a Estados Unidos, estudió en la Península School y la Palo Alto High School, donde empezó a desarrollar su creatividad musical. Compró por 50 dólares su primera guitarra, acudió al concierto de Pete Seeger, padre de la música folk, y en seguida empezó a cantar en público su repertorio. Para ganar un dinero extra daba clases de ukelele y organizaba pequeños conciertos en la escuela.

En 1958, se graduó y su padre aceptó un puesto como profesor en el prestigioso Massachussetts Institute of Technology, por lo que la familia se mudó a Belmont, un suburbio de Boston que era el epicentro de la música folk. Joan empezó a cantar en clubs y pequeños locales al tiempo que se matriculó en la universidad. Allí conoció a su primer novio, Michael New -él fue en 1979 su inspiración para el tema "Michael"-, pero quería concentrarse en su incipiente carrera, así que dejó la relación y los estudios.

Su primer concierto fue en el Club 47 Mount Auburn, de Cambridge, y pensó en cambiar su nombre por el de Rachel o Mariah Sandperl, en honor a su profesora y mentora pacifista Ira Sandpert, pero algunos la acusaron de renegar de su origen mexicano, así que no lo hizo. Unos meses más tarde grabó en un sótano junto a dos amigos el disco "Folksingers Round Harvard Square"; conoció a los cantantes Bob Gibson y Odetta, adalid de la música folk, y su carrera empezó a despegar. Gibson la invitó a cantar con él varios duetos en 1959 en el Newport Folk Festival, su primera gran plataforma, y en 1960 consiguió un contrato para grabar con la discográfica Vanguard.

Idilio entre cantautores

Cuando debutó en Nueva York, tenía solo 20 años, pero mostraba una gran madurez, era generosa, fiel a sus compromisos sociales, humilde y muy sensible al dolor ajeno. El rechazo de su padre a trabajar en el proyecto Manhattan para crear una bomba atómica en Los Álamos y en diferentes empresas de defensa en el momento álgido de la Guerra Fría influyó mucho en ella. En 1961, se cruzó en su camino un casi desconocido Bob Dylan, que al principio cortejó a su hermana Mimi, pero que, después, se enamoró de ella. La relación empezó a finales de 1962, cantaron juntos en el Newport Festival, y se separaron a principios de 1965, año en el que ella tuvo su primer éxito comercial con "There but for fortune". Poco después, musicó los poemas de Federico García Lorca y James Joyce, entre otros. En esa época, Dylan escribió "Blowing in the wind", que se convirtió en la canción pacifista más famosa de la historia, y ambos se ganaron los títulos de rey y reina de la canción protesta.

En 1963, se unió a Martin Luther King en la Marcha sobre Washington a favor de los derechos civiles y fundó en Palo Alto un instituto de estudios sobre la no violencia. Seguía grabando discos, realizando giras y cantando en actos políticos contra el gobierno de su país. Igual de combativa se mostró contra la guerra de Vietnam a mediados de los 60, participando en innumerables marchas y siendo arrestada en dos ocasiones por bloquear la entrada al Ejército en la sede de una organización californiana: "Nunca fui una patriota y muchos americanos me odiaron por ello. Mis prioridades y lealtades van más allá de un país o una bandera. Viajé mucho de pequeña y, aún hoy, cuando voy a Túnez, por ejemplo, y escucho parte de su folklore, me siento como en casa". 

Durante los diez días de arresto en la cárcel de Santa Rita conoció a David Harris, otro líder  antibelicista con el que se casó al cabo de tres meses por el rito episcopaliano y cuáquero en Nueva York.

Hecha para vivir sola

Compraron cuatro hectáreas de terreno que formaban parte de una comuna en Los Altos Hills y se convirtieron en vegetarianos. David fue procesado y encarcelado durante 15 meses por negarse a alistarse en el Ejército; Báez se quedó sola embarazada pero tuvo fuerzas para participar en 1969 en el archiconocido festival de Woodstock, evento que se convirtió en icono de toda una generación. Escribió las canciones "A song for David", "Prison trilogy" o "Fifteen months" en homenaje al tiempo que pasó su marido en la cárcel. En diciembre nació su único hijo, Gabriel Harris, conocido familiarmente como Gabe. Su carrera estaba consolidada, pero su matrimonio acabó rompiéndose en 1973. "Me di cuenta que estaba hecha para vivir en soledad, pero siempre mantuve una buena amistad con mi ex marido y compartimos la custodia de nuestro hijo", confesaría Báez en su autobiografía. Más tarde, a finales de los 70 y principios de los 80, vivió un romance con Steve Jobs, cofundador de la exitosa empresa informática Apple.

Unos años antes del fin de la Guerra del Vietnam, Joan se había centrado en componer canciones de estilo pop rock -en 1975 su álbum "Diamonds & Rust" sería superventas-, había rescindido su contrato con Vanguard y firmado con A&M Records. Grabó también un disco en español, "Gracias a la vida", con la canción de Violeta Parra, que se convirtió en un gran éxito en Estados Unidos y Latinoamerica. Su voz potente, aguda, próxima a la de una soprano y su dramatización de las comprometidas letras de sus canciones han dado a su música un carácter muy particular.

Orgullosa de su vida

En 1983, apareció por primera vez en la gala de los Grammy cantando "Blowing in the wind", continuó sus giras mundiales y sus compromisos sociales, visitando también antiguos países comunistas como Checoslovaquia o zonas en conflicto como Sarajevo y Bosnia-Herzegovina. En la última década, no ha bajado la guardia, pero ya no es tan activa como antes: "Durante mucho tiempo me arrepentí de no haber dedicado más tiempo a los míos, aunque me siento feliz por todo lo que hecho en la vida. Vivo en la misma casa desde hace 35 años, para los estándares de Hollywood es humilde, pero para los míos ya es bastante lujosa. Mi padre murió hace un año y mi madre, a la que adoro, vive conmigo. También quiero disfrutar de mi hijo y divertirme con mi nieta, Jasmine". Fue una de las invitadas de honor en el concierto de Nelson Mandela.

 Joan Báez eligió el Teatro Real de Madrid como el enclave donde dar su último adiós a los escenarios el 28 de julio de 2019. La artista llevaba desde el miércoles 24 ofreciendo varios conciertos en España dentro de su gira de despedida, "Fare Thee Well Tour". Durante esos días, aprovechó también su paso por Catalunya para mostrar su apoyo al movimiento independentista por su carácter no violento, así como para visitar a Carme Forcadell el pasado viernes en la prisión de Mas d'Enric, Tarragona.